École Napolitaine - Brève description
Cello Concerto, Leonardo Leo
Les musiciens du 18ème siècle ont voyagé beaucoup à travers l'Europe, et en conséquence, une prodigieuse transformation des idées a eu lieu. C'est durant cette période que les principes fondamentaux de la musique instrumentale, vocale et lyrique moderne ont pris forme.
Naples était le symbole de la magnifique fusion de la musique et du théâtre.
Pendant ce temps, la musique était jouée dans chaque maison, ainsi, un grand nombre de compositeurs et de virtuoses ont été produits, et par conséquent des niveaux extraordinaires de perfection ont été atteints.
La musique jouait un rôle central dans les événements sociaux, publics, privés et religieux. Les concerts, les représentations théâtrales et les fêtes de village offraient une avenue presque illimitée pour la création et l'interprétation de nouvelles compositions.
Stratégiquement située, Naples était le croisement des cultures maure, italienne, grecque, franco-espagnole. Dans ce véritable âge d'or de Naples, la ville était la capitale incontestée de la musique, des instrumentistes, des compositeurs, des chanteurs et des historiens.
Léopold Mozart, strict tuteur qui n'a jamais manqué d'offrir à son fils les meilleures opportunités, a escorté Wolfgang Amadeus Mozart, 14 ans, à Naples.
Les célèbres théâtres et quatre grands conservatoires de Naples ont assuré le rôle de la ville en tant que centre éducatif de la musique, et l'influence de Naples sur la musique ne s'est atténuée qu'à la fin du siècle.
Dans les bibliothèques du monde entier, allant de l'Europe à l'Amérique latine, des manuscrits inédits de compositeurs napolitains du XVIIIe siècle sont tombés dans l'oubli. Pour des complexes raisons politiques et historiques, la grande importance de cette école de musique a longtemps été négligée.
Mais le vrai problème qui a fait que ce répertoire a été négligé et surtout minimisé, c'est l'exécution musicale.
Pratiquement, à des occasions où la musique a été jouée.
Tout le matériel à ma disposition, sous forme manuscrite, a été transcrit par moi personnellement et d'autres sont en train d'être transcrits.
De plus, les transcriptions sont traitées de telle manière qu'elles peuvent être exécutées (jouée) dans les "temps modernes". In tempi moderni.
C'est-à-dire basé sur la méthode napolitaine appelée : Partimenti
Il est très important de faire une considération extrêmement fondamentale.
Naples était le symbole de la magnifique fusion de la musique et du théâtre.
Pendant ce temps, la musique était jouée dans chaque maison, ainsi, un grand nombre de compositeurs et de virtuoses ont été produits, et par conséquent des niveaux extraordinaires de perfection ont été atteints.
La musique jouait un rôle central dans les événements sociaux, publics, privés et religieux. Les concerts, les représentations théâtrales et les fêtes de village offraient une avenue presque illimitée pour la création et l'interprétation de nouvelles compositions.
Stratégiquement située, Naples était le croisement des cultures maure, italienne, grecque, franco-espagnole. Dans ce véritable âge d'or de Naples, la ville était la capitale incontestée de la musique, des instrumentistes, des compositeurs, des chanteurs et des historiens.
Léopold Mozart, strict tuteur qui n'a jamais manqué d'offrir à son fils les meilleures opportunités, a escorté Wolfgang Amadeus Mozart, 14 ans, à Naples.
Les célèbres théâtres et quatre grands conservatoires de Naples ont assuré le rôle de la ville en tant que centre éducatif de la musique, et l'influence de Naples sur la musique ne s'est atténuée qu'à la fin du siècle.
Dans les bibliothèques du monde entier, allant de l'Europe à l'Amérique latine, des manuscrits inédits de compositeurs napolitains du XVIIIe siècle sont tombés dans l'oubli. Pour des complexes raisons politiques et historiques, la grande importance de cette école de musique a longtemps été négligée.
Mais le vrai problème qui a fait que ce répertoire a été négligé et surtout minimisé, c'est l'exécution musicale.
Pratiquement, à des occasions où la musique a été jouée.
Tout le matériel à ma disposition, sous forme manuscrite, a été transcrit par moi personnellement et d'autres sont en train d'être transcrits.
De plus, les transcriptions sont traitées de telle manière qu'elles peuvent être exécutées (jouée) dans les "temps modernes". In tempi moderni.
C'est-à-dire basé sur la méthode napolitaine appelée : Partimenti
Il est très important de faire une considération extrêmement fondamentale.
La clé de mon bureau où les manuscrits étaient sécurisés pendant ma formation
Dans la plupart des cas, sinon tous, les compositions des maîtres napolitains du siècle XVII et XVIII sont exécutés à travers la pratique baroque, ce qui n'est absolument pas envisagé dans mon type de travail et de proposition.
Tout en appréciant et en respectant la pratique baroque, je crois fermement qu'à travers cette pratique, est donnée seule une vague idée de ce qu'aurait pu être la sonorité de cette époque, donc, en réalité, cette pratique s'est avérée trompeuse pour une raison précise que je vais expliquer brièvement.
Le terme - ou la terminologie "baroque" était employé pour désigner le style de musique composé dans un période qui superpose celle de l'art baroque, mais comprend généralement une période un peu plus tard.
La question reste ouverte de savoir dans quelle mesure la musique baroque partage des principes d'esthétique avec les arts visuels et littéraires de l'époque baroque.
Donc, un élément assez clair est certainement la prédilection pour l'ornement.
C'est pourquoi peut-être significatif que le rôle de l'ornement a été considérablement diminué à la fois dans la musique et en architecture, à une époque où le baroque cède la place à la période classique.
L'application du terme "baroque" à la musique est un développement relativement récent, bien que on a récemment souligné que la première utilisation du mot "baroque" comme critique d'un l'un des arts liés à la musique, apparaît dans une revue anonyme et satirique de l'Hippolyte et Aricie de Rameau, imprimé au Mercure de France en mai 1734.
Les critiques ont insinué que la nouveauté de cet opéra était « du baroque », se plaignant que la musique il n'avait pas de mélodie cohérente, il était plein de dissonances incessantes, changeant constamment tonalité et tempo, passant rapidement par chaque mécanisme de composition.
Cependant, il s'agissait d'une référence isolée et l'utilisation constante du terme comme indicatif de cette période n'a commencé qu'en 1919 par Curt Sachs, et seulement vers 1940 le terme « baroque » est utilisé en anglais dans un article publié par Manfred Bukofzer.
Cette pratique, qui s'est élevée au rang de figure rhétorique et synonyme de pédant, de bizarre et d'extravagant, est appliqué à tort à l'école napolitaine, ne faisant que diminuer avec le temps la vraie valeur artistique de ses Maîtres, reléguant cette grande Ecole, la qui, encore aujourd'hui, est considérée et connue par beaucoup comme «l'École des compositeurs mineurs".
Les perles parfaites de cette glorieuse école surplombent le XVIIIe siècle dispensant savoir et renouveau, et sont toujours définis comme scaramazze – bizarre et extravagant - et baroque.
Même l'art du grand Johann Sebastian Bach est souvent qualifié de baroque.
Mais les désastres causés par Philipp Spitta sont bien connus.
Et son château empyréen vide a influencé les exécutions de Bachian pendant des décennies
Même les choral plus joyeux et libérateurs étaient (et sont toujours) opprimés dans un contexte organo-vocal de banal circonstance.
Le sens de ce que je dis est ceci :
Si ce qu'on peut appeler la « Nouvelle Renaissance » doit nécessairement considérer tous les compositeurs d'une même période, alors, pour une raison stylistique et par rapport à ce que nous écoutons aujourd'hui, les frontières historico-musicales doivent être réécrites et la discographie doit également être corrigée.
L'histoire de la musique, comme toute histoire, doit être complètement réécrite.
Je suis absolument convaincu que l'histoire restera incomplète si l'école napolitaine du XVIIIe siècle, pont vitale dans la transition de la musique, n'est pas mieux comprise et appréciée.
Des compositions aux pouvoirs rares, dramatiques et expressifs entassés dans des bibliothèques poussiéreuses nous invitent à redécouvrir et à retrouver notre lien avec le passé, et à diffuser ce vaste héritage musical, afin que le monde connaisse à nouveau ce pilier de l'histoire de la musique.
Tout en appréciant et en respectant la pratique baroque, je crois fermement qu'à travers cette pratique, est donnée seule une vague idée de ce qu'aurait pu être la sonorité de cette époque, donc, en réalité, cette pratique s'est avérée trompeuse pour une raison précise que je vais expliquer brièvement.
Le terme - ou la terminologie "baroque" était employé pour désigner le style de musique composé dans un période qui superpose celle de l'art baroque, mais comprend généralement une période un peu plus tard.
La question reste ouverte de savoir dans quelle mesure la musique baroque partage des principes d'esthétique avec les arts visuels et littéraires de l'époque baroque.
Donc, un élément assez clair est certainement la prédilection pour l'ornement.
C'est pourquoi peut-être significatif que le rôle de l'ornement a été considérablement diminué à la fois dans la musique et en architecture, à une époque où le baroque cède la place à la période classique.
L'application du terme "baroque" à la musique est un développement relativement récent, bien que on a récemment souligné que la première utilisation du mot "baroque" comme critique d'un l'un des arts liés à la musique, apparaît dans une revue anonyme et satirique de l'Hippolyte et Aricie de Rameau, imprimé au Mercure de France en mai 1734.
Les critiques ont insinué que la nouveauté de cet opéra était « du baroque », se plaignant que la musique il n'avait pas de mélodie cohérente, il était plein de dissonances incessantes, changeant constamment tonalité et tempo, passant rapidement par chaque mécanisme de composition.
Cependant, il s'agissait d'une référence isolée et l'utilisation constante du terme comme indicatif de cette période n'a commencé qu'en 1919 par Curt Sachs, et seulement vers 1940 le terme « baroque » est utilisé en anglais dans un article publié par Manfred Bukofzer.
Cette pratique, qui s'est élevée au rang de figure rhétorique et synonyme de pédant, de bizarre et d'extravagant, est appliqué à tort à l'école napolitaine, ne faisant que diminuer avec le temps la vraie valeur artistique de ses Maîtres, reléguant cette grande Ecole, la qui, encore aujourd'hui, est considérée et connue par beaucoup comme «l'École des compositeurs mineurs".
Les perles parfaites de cette glorieuse école surplombent le XVIIIe siècle dispensant savoir et renouveau, et sont toujours définis comme scaramazze – bizarre et extravagant - et baroque.
Même l'art du grand Johann Sebastian Bach est souvent qualifié de baroque.
Mais les désastres causés par Philipp Spitta sont bien connus.
Et son château empyréen vide a influencé les exécutions de Bachian pendant des décennies
Même les choral plus joyeux et libérateurs étaient (et sont toujours) opprimés dans un contexte organo-vocal de banal circonstance.
Le sens de ce que je dis est ceci :
Si ce qu'on peut appeler la « Nouvelle Renaissance » doit nécessairement considérer tous les compositeurs d'une même période, alors, pour une raison stylistique et par rapport à ce que nous écoutons aujourd'hui, les frontières historico-musicales doivent être réécrites et la discographie doit également être corrigée.
L'histoire de la musique, comme toute histoire, doit être complètement réécrite.
Je suis absolument convaincu que l'histoire restera incomplète si l'école napolitaine du XVIIIe siècle, pont vitale dans la transition de la musique, n'est pas mieux comprise et appréciée.
Des compositions aux pouvoirs rares, dramatiques et expressifs entassés dans des bibliothèques poussiéreuses nous invitent à redécouvrir et à retrouver notre lien avec le passé, et à diffuser ce vaste héritage musical, afin que le monde connaisse à nouveau ce pilier de l'histoire de la musique.